Tadaaki Kuwayama (1932)

O minimalista japonês Tadaaki Kuwayama, conhecido por suas obras metálicas monocromáticas que evocam ao mesmo tempo o barulho da indústria e a calma duradoura da eternidade, morreu. Kuwayama tinha noventa e um anos. A notícia de sua morte foi anunciada pela Alison Bradley Projects, que representa o artista. Como muitos japoneses de sua geração, Kuwayama mudou-se para os Estados Unidos no final da década de 1950. Chegando no crepúsculo do Expressionismo Abstrato e no alvorecer do Pop e do Minimalismo, e em meio a um grupo de amigos e contemporâneos, incluindo Dan Flavin, Sam Francis, Donald Judd, Kenzо̄ Okada e Frank Stella, ele rapidamente conquistou uma reputação para si mesmo. com um conjunto de obras que, como escreveu Ronny Cohen numa edição de 1989 da Artforum, “chama a atenção para questões de construção, para a repetição de ações, resultando em formas carregadas de mistério”.

Tadaaki Kuwayama nasceu na cidade industrial de Nagoya, Japão, em 1932. Após se formar na Universidade Nacional de Arte de Tóquio, onde estudou nihonga, ou pintura tradicional japonesa, Kuwayama mudou-se em 1958 para Nova York com sua esposa, a artista Rakuko. Naito. Ele inicialmente se matriculou na Art Students League, mas, disse ele a Kosuke Fujitaka do New York Art Beat em 2012, “aquele não era um lugar muito interessante para se estar; era para onde iam os amadores e as esposas burguesas, e os professores eram todos conservadores. Então eu quase não fui à escola. Eu simplesmente entraria e iria para casa.” Em vez disso, Kuwayama envolveu-se fortemente no cenário artístico da cidade e iniciou uma série de explorações que o levaram à descoberta de seu próprio estilo único. Isto é mais famoso pela tela monocromática, dividida em segmentos por tiras metálicas estreitas, às vezes entrecruzadas. Em seu Untitled: Red and Blue de 1961, que expôs naquele ano na Green Gallery de Richard Bellamy, em Nova York, ele embrulhou uma tela retangular com um tipo de papel tipicamente usado no nihonga, do qual tentava desesperadamente se afastar. Dividindo a metade superior vermelha e a metade inferior azul da obra há uma fina faixa de folha prateada metálica. “Eu nunca tinha usado tinta a óleo antes, então não sabia quais técnicas estavam envolvidas”, explicou ele a Fujitaka. “E ainda assim eu não suportava o tipo de pintura que já conhecia.”

No ano seguinte, Kuwayama começou a investigar a tridimensionalidade, construindo sua primeira obra independente encadernada no chão a partir de um painel de mais de um metro por 2,5 metros incrustado com papel japonês e pintado de preto. Em 1965, ele abandonou em grande parte o papel e passou para a tinta spray, o que lhe permitiu criar superfícies planas livres de pinceladas e sem evidências de sua produção. A essa altura, a maioria de suas obras era quadrada, e a folha de prata havia sido substituída por faixas de alumínio ou cromo, que podiam dividir uma obra em quadrantes, ou em metades retangulares ou triangulares. Em seus tons frequentemente vibrantes e superfícies brilhantes e envernizadas, as obras faziam referência aos materiais comuns nas indústrias automobilística e aeroespacial, que dominavam sua cidade natal. Ao mesmo tempo, suas cores invariáveis, segmentos medidos e formas repetitivas evocavam uma sensação de tranquilidade. “Kuwayama. . . consegue extrair de [seus] meios limitados uma declaração surpreendentemente pessoal”, escreveu Barbara Rose em uma edição de 1967 da Artforum.

Kuwayama, nas décadas seguintes, expandiu sua prática para incluir substratos como baquelite, Mylar e titânio, que, embora emprestassem dureza e brilho ao seu trabalho, não diminuíram seu calor incipiente. O artista continuou a concentrar-se na tonalidade e na forma puras, excluindo todas as outras preocupações, incluindo aquelas relativas a qualquer hierarquia de cores percebida, que pudesse informar a ordem de apresentação de um determinado conjunto de obras. “Acho que as cores devem ser tratadas como equivalentes entre si”, explicou. “A questão é que eles simplesmente existem.”

O trabalho de Kuwayama está presente em coleções de grandes instituições internacionais, incluindo o Museu de Arte Moderna de São Francisco; o Museu de Arte de Indianápolis; a Galeria de Arte Albright-Knox, Buffalo; o Museu de Arte Moderna e o Museu Solmon R. Guggenheim, ambos em Nova York; Stiftung für Konstructive und Konkrete Kunst, Zurique; Galeria Nacional, Berlim; Staatsgalerie, Estugarda; o Museu de Arte da Cidade de Hiroshima; o Museu Nacional de Arte, Osaka; o Museu de Arte Contemporânea do Século XXI, Kanazawa; o Museu de Arte da Cidade de Nagoya; o Museu Hara de Arte Contemporânea, o Museu de Arte Contemporânea e o Museu Nacional de Arte Moderna, todos em Tóquio; e o Museu de Arte Memorial Kawamura, Chiba.