No saguão de um prédio do governo em DC, arte e política de identidade

Não é nenhuma surpresa encontrar políticas de identidade nas galerias de Washington. Museus, organizações regionais sem fins lucrativos e outros centros artísticos apressaram-se a proporcionar maior acesso a artistas de grupos sub-representados, especialmente instituições que antes ignoravam inteiramente a raça ou a classe. Curadores inteligentes colocam esse esforço em primeiro plano hoje. Organizações em todo o país estão fazendo o mesmo pivô. DC não é diferente.

Mas uma coisa é surpreendente sobre a política de identidade na arte de Washington: as exposições mais estridentes podem ser encontradas visitando as instituições locais mais estabelecidas.

Um exemplo é “Re/envisioning”, um show em grupo com o dedo no pulso. Com curadoria de Nicole Dowd e Allison Nance, a mostra reúne obras de seis artistas ligados por uma preocupação com a identidade - não apenas afirmando a sua própria, mas desafiando os sistemas rígidos que podem defini-los como outros. Não há um fio condutor comum na história ou no meio a ser encontrado, mas uma corrente subjacente de descontentamento radical permeia esse programa de mentalidade acadêmica. Curiosamente, está à vista no saguão de um prédio do governo de DC.

O trabalho de Fargo Nissim Tbakhi é o mais francamente político. Num vídeo, “Palestine Is a Futurism” (2022), um performer canta frases que aparecem no ecrã acima de uma instalação de têxteis. “O sal marinho é um internacionalismo”, “A fome é um neocolonialismo”, “Cactus é um marxismo” e outras proposições que parecem urgentes, mas místicas, são cantadas quase como hinos.

As peças de Tbakhi sugerem mais filosofia do que arte. Essas frases são variações surreais de um artifício retórico conhecido como kritik. No debate ou na filosofia, uma kritik é uma tática para desafiar a mentalidade de uma crença baseada na teoria crítica sobre as estruturas sociais. Uma kritik marxista, neocolonialista ou transfeminista funciona como uma ferramenta para alterar os parâmetros normais de um debate, para pressionar um oponente a afirmar ou rejeitar estas teorias críticas. O trabalho de Tbakhi – tanto o vídeo quanto uma instalação de seus poemas – está entrelaçado com essa didática.

Parte do trabalho em “Re/envisioning” baseia-se tão fortemente na prática social que o trabalho em exibição pode parecer uma reflexão tardia distante. “O que você sempre desejou que eu perguntasse e soubesse sobre você” (2023), de Adele Yiseol Kenworthy, apresenta buquês de flores ao lado de fotos de família cujas figuras foram recortadas. A sensação de saudade familiar nessas colagens é palpável. No entanto, a artista também enquadrou os seus arranjos florais como um acto de protesto político ou de acção colectiva. Essa é uma noção completamente diferente, que faz com que as colagens para “Re/envisioning” pareçam arbitrárias.

Projetos de Antonio McAfee e Stephanie J. Williams brilham em “Re/envisioning”. A série “Through the Layers” da McAfee (2017-2019) transforma retratos fotográficos de figuras negras da era da Reconstrução tirados de coleções de arquivos reunidas pelo autor WEB Du Bois e pelo jornalista Thomas Calloway em colagens 3D estereoscópicas. O efeito visual vermelho e ciano intencionalmente imperfeito torna difícil ver verdadeiramente esses retratos, mesmo usando óculos 3D – uma expressão poderosa de um tema de invisibilidade que permeia os retratos negros. As assombrosas animações stop-motion de Williams também revelam ambiguidade. “Hospes” (2022) encontra uma coleção de bonecos vermes e desajustados presos dentro de um círculo de portas que sempre se fecham para eles. Um espectador pode reconhecer o título como a raiz latina de hospitalidade, mas a compreensão não é necessária para compreender o vídeo. Seu trabalho faz com que o espectador sinta profundamente o horror corporal sufocante de ser mal percebido.

Todo o texto da parede em “Re/envisioning” impede que as obras falem por si, mesmo quando o seu significado é claro — ou, mais importante, quando as possibilidades são muitas. “Sonic Fracture” (2023) é uma peça de uma série de performances em andamento de Stephanie Mercedes, na qual a artista derrete cartuchos de balas e armas em uma fundição e transforma o metal em simples sinos. É um projeto de espadas em relhas de arado, ressonante e acessível, que resulta em pequenas esculturas minimalistas imperfeitas. Seu trabalho aponta para Richard Serra e Lynda Benglis, artistas que revolucionaram esculturas fundidas ao arremessar e vazar materiais fundidos; mais literalmente, esses sinos falam do número de violência armada no distrito.